Born in Osaka, Japan

1986 - Residence in USA

2024 - Working in Japan and USA

 

EDUCATION

1990 - Master of Fine Arts, Otis Art Institute of Parsons School of Design, Los Angeles, CA                                                                                   

1986 - Bachelor of Fine Arts, Kyoto Seika University, Kyoto, Japan

SELECTED EXHIBITIONS

2022 - “MAPPING THE DRAGONS” Unnamed Road Gallery, Los Angeles, CA

2018 - “Art Party” Community Art Space for Art Making, Downtown Arts District, Los Angeles, CA

2014 - “Bringing the world into the world” Queens Museum, Queens, NY, Works by Alighiero Boetti, Chris Burden, Ray and Charles Eames, Harun Farocki, Dominique Gonzalez-Foerster,  Hikaru Hayakawa, Yumi Kori, L+ [PAK Sheung Chuen, WO Man Yee, LEE Soen Long], Liu Wei, Robert Moses and Raymond Lester & Associates, Reanimation Library, Jessica Rylan, Tavares Strachan, Clarissa Tossin, Lawrence Weiner, and Wong Kit Yi

2008 - Topanga Canyon Gallery/ Hayakawa Art Studio, Topanga, CA

2006 - “33 years at Newspace” Newspace, Los Angeles, CA

1999 - Todd-AO/ Hollywood Digital West, Santa Monica, CA

1999 - Anticulture Gallery, Hamosa Beech, CA

1998 - "SURFACE EXPOSURE" Gallery 825/ LA Art Association, Los Angeles, CA

1998 - “(RE)STRUCTURE” Gallery 825/ LA Art Association, Los Angeles, CA

1997 - “Exchange” Claremont University Art Gallery, Claremont, CA

1995 - "VENICE ART WALK 95", Venice, CA.

1995 - "DIVERSIFICATION OF PASSAGES” an exhibition of contemporary Southern California artists of Asian descent, Mt. San Antonio College, Walnut, CA

1995 - "ART EXHIBITION FOR VICTIMS OF THE GREAT EARTHQUAKE IN JAPAN" organized by Yomiuri newspaper, Osaka/ Kokura/ Tokushima/ Himeji, Japan

1995 - "ARTFAIR/SEATTLE" Seattle, WA

1994 - "LAX/94 - THE LOS ANGELES EXHIBITION, FIVE JAPANESE ARTISTS IN LOS ANGELES" George J. Doizaki Gallery/ Japanese American Cultural & Community Center (JACCC),  Los Angeles, CA

1994 - "ASIA INVITATION ART EXHIBITION" Korean Culture Art Research Institute, Seoul, South Korea

1994 - "ARTIST AS VISIONARY" Gallery IV, Los Angeles, CA

1993 - "DOWNTOWN LIVES” Downtown Arts Development Association, Los Angeles, CA

1992 - Solo Exhibition, "ON THE HORIZON" Yamaki Art Gallery, Osaka, Japan

1991 - Solo Exhibition, Paleigh Enterprises, curated by Donna Stein, Los Angeles, CA

1991 - Solo Exhibition, “No Boundary” Newspace,  Los Angeles, CA

1990 - Solo Exhibition, “Introducing Hikaru Hayakawa Painting" Newspace, Los Angeles, CA

1989 - Solo Exhibition, G.J.Doizaki Gallery, Japanese American Cultural & Community Center, Los Angeles, CA

1989 - "MASTER OF FINE ARTS EXHIBITION" Otis/ Parsons Art Gallery, Los Angeles, CA

1989 - "VISUAL EXCHANGE", East Gallery, Claremont Graduate School, Claremont, CA

1989 - "VISUAL EXCHANGE" Helen Lyndhurst Fine Art Gallery, University of Southern California, Los Angeles, CA

1988 - "VISUAL ARTS 88", Ettinger Gallery, Art Institute of Southern California, Laguna Beach, CA.

1988 - "THREE PERSON SHOW" North Gallery, Otis/Parsons, Los Angeles, CA

1986, 1987 - "JACA’86 Exhibition of Japanese Illustration" Isetan Museum, Tokyo/ Kawasaki/ Nagoya/ Osaka/ Hiroshima, Japan and Sydney, Australia

1986 - Solo Exhibition, “Man’s Man’s World” Gallery Suzuki, Kyoto, Japan

1986 - Gallery R2, Kyoto, Japan

1986- "KOUDO EXHIBITION” Kyoto Municipal Art Museum, Kyoto/ Osaka Municipal Art Museum, Osaka, Japan

1985, 1986- "JACA’85 Exhibition of Japanese Illustration” Isetan Museum, Tokyo/ Nagoya/ Osaka, Japan, and George J. Doizaki Gallery, Japanese American Cultural & Community Center (JACCC), Los Angeles, CA

1985 - "ABERRATION ” Nishinomiya Municipal Gallery, Nishinomiya, Japan

1985 - "WATER GARDEN" Live painting, Wakayama, Japan

1985 - "Nippon Graphic Exhibition 1985” Shibuya Parco Studio, Tokyo, Japan

1985 - "DEAD HEAT IN SUMMER" Shinanobashi Gallery, Gallery Cuore, Osaka, Japan

1985 -  ”To Create Merrily” Gallery Suzuki, Kyoto, Japan

SELECTED PUBLICATIONS
2022 - “Five Finalists Announced for Public Art Project in Little Tokyo” THE Rafe Shinpo(Los Angeles Japanese Daily News), English Times, My News.com, KFI City News Service, HEY Socal, Los Angeles, CA

2022 - Olkowski, Rebecca, “Unnamed Road Gallery: Popup Art with No Fixed   Address” Booming in La, Feb.16, Los Angeles, CA

2022 - “Mapping the Dragons’ exhibit puts 3 artists in uncharted territory” Los Angeles Downtown News, Jan.29

2017 - The Panorama Handbook, Thoughts and Vision On and Around the Queens Museum’s Panorama of the City of New York

Edited by Hitomi Iwasaki and Blagoversta Momchedikova, Ph. D.

2015 - “Hikaru Hayakawa” Weekly LaLaLa (Los Angeles Japanese weekly magazine), Los Angeles, CA
2014 - Tarieton, Jonathan “An Exhibit as Vast as the world” The Architectural League of New York/ Urban Omnibus, August 22

2014 - Weaver, Carolyn “From Vast to Nano, at NYC Museum” Voice America, July 16, New York, NY

2014 - Smith, Roberta “If Seeing is Believing, a Panorama of Truth ‘Bringing the World Into the World,’ at the Queen Museum” New York Times, July 19, New York, NY

1997 - "Conversation" with Hikaru Miyagi (Motorcycle racer), ADS ADS J (Japanese monthly magazine), Dec. issue, Los Angeles, CA

1995 - Fagu, Hina "LAX: A Review” BRAIN CHILD IN LOVE, Issue #4, Feb., Los Angeles, CA

1994 - Frank, Peter "ART PICKS OF THE WEEK, LAX 94: Five Japanese in Los Angeles”, LA WEEKLY, Dec. 8, Los Angeles, CA

1994 - "A New Immigrant's View of Los Angeles" THE RAFU SHIMPO (Los Angeles Japanese Daily News), Nov. 15, Los Angeles, CA

1994 - FIVE JAPANESE ARTISTS ON LOS ANGELES (catalog), funded by Japan Foundation, Los Angeles, CA

1994 - “LAX/ 94” - THE LOS ANGELES EXHIBITION (catalog), Los Angeles, CA

1992 - Raisu, BANGLADESH MORNING NEWS, JUN. 2, Dhaka, Bangladesh

1992 - Haq, Fayza "Combining the East with the West" DHAKA TIMES, May 31, Dhaka, Bangladesh

1989 - Donahue, Marlena "Galleries" LOS ANGELES TIMES, Dec.15, Los Angeles, CA

1989 - "Hikaru Hayakawa at JACCC” KASHU MAINICHI  (Los Angeles Japanese Daily News), Jun. 29, Los Angeles, CA

1987 - “JACA’86 Exhibition of Japanese Illustration”  (catalog), Tokyo, Japan.

1986 - “Art Review” KYOTO DAILY NEWSPAPER, May 29, Kyoto, Japan

1985 - “JACA’85 Exhibition of Japanese Illustration” (catalog), Tokyo, Japan

1985 - “NIPPON GRAPHIC EXHIBITION 1985”(catalog), Tokyo, Japan.

GRANTS

2022 - City of Los Angeles, the Department of Cultural Affairs (DCA)

2014 - Japan Foundation (Ministry of Foreign Affairs of Japan)

LECTURES / ARTIST TALK

2022 - Artist talk with Amy Shimshon-Santo, Unnamed Road Gallery, 

Los Angeles, CA

1995 - Mt. San Antonio College, Walnut, CA

1994 - "ARTISTS' FORUM AT DOIZAKI GALLERY”, George J. Doizaki Gallery / Japanese American Cultural & Community Center (JACCC), Los Angeles, CA  
1992 - Lalit Kala Art Academy, Calcutta, India
1992 - Karmakar Art Studio, Dhaka, Bangladesh
1990 - Kyoto Seika University, Kyoto, Japan

Selected Art Reviews / Publications

Voice of America

From Vast to Nano, at NYC Museum

By Carolyn Weaver,  July 16, 2014 

In another room, a sculpture by Japanese artist Hikaru Hayakawa uses copper pipes to diagram human history. Originally made as a fountain, as an on-site video shows, the horizontal pipes stand for the life-spans of nation-states and empires, while vertical tubes represent moments of conquest, war or peaceful union.

別の部屋では、日本人アーティストの早川光による彫刻作品が銅管を使って人類の歴史を図解している。現地のビデオで見られるように、もともと噴水として作られたもので、水平の管は国民国家や帝国の存続期間を表し、垂直の管は征服、戦争、平和的統合の時を表している。

The George J. Doizaki Gallery featured the works of five Japanese Artists in Los Angeles. Hikaru Hayakawa expresses his concern for global awareness without being didactic. Creating maps using a variety of materials, the work is visually stunning, denoting the sense of identity and politics without all the overwhelming text and theoretical dialogue that most artists working with 'identity' use today.

ジョージ・J・ドイザキ・ギャラリーは、ロサンゼルスの日本人アーティスト 5 名の作品を展示しました。早川光は、教訓的にならない地球規模の意識に対する関心を表現しています。さまざまな素材を使って地図を作成したこの作品は、視覚的にも素晴らしく、今日の「アイデンティティ」を扱うアーティストのほとんどが使用する圧倒的なテキストや理論的な対話を一切使用せずに、アイデンティティと政治のセンスが示されています。

The art of Hikaru Hayakawa in an age of paradox

Hikaru Hayakawa is the other artist. He does not belong to the order of the "Primal Spirit" artist, which has been seen recently in Los Angeles. Rather, Hayakawa belongs to the New World Artist who looked out the window to see the foreign land beyond Japan. He left Osaka to come to L.A. in 1987. He went to graduate school at Otis. Hayakawa belongs now to the growing phenomena of Japanese Artists, like Kuniyoshi and Fujita before him, who were fascinated with France and America. To that extent, the host city of choice for Hayakawa is Los Angeles.

Hayakawa lives and works in an improbable studio in the hills of Hollywood above the Sunset Strip. His studio is beyond the main two-story house, beyond the pool populated with Roman plasters. There is a garden, a courtyard, and a compliment of household comforts in direct contrast to many Venice and Downtown artist's lofts. within this unusual studio and setting, the paradox begins.

In this spirited Hollywood location, a chunk of paradoxes, a mixed bag of high powered agents, swanky restaurants, deal makers, exotic cars, the livestock or entertainment and film business, Hayakawa collects his consciousness and focuses his fierce energy toward art making. When he is ready and preparation is made, Hayakawa blocks in his concepts and narrative of cultural comparisons of Eastern ideals and values which interface Western personalities and “Facts”. Hayakawa builds a comparative and constructed visual history.

Hayakawa's painting, "Lost Right Hand" shows Augustus Caesar definitely and helplessly out of touch. An important Caesar, a man, a statue, a painting of both with his right hand severed. Caesar’s royal leaves are missing as well. Caesar is just another guy identified and remembered as a vanished cultural artifact.

Caesar is placed vertically against a horizontal case of leaves, the eternal Haiku of time and vulnerability. 

Sealed, all the leaves are brown and grey and protected from any further drift or decay. The artist constructs a case of leaves, a perfect study center for quiet contemplation; the leaves slow down the tension and anxiety of seeing a blameless Caesar. Hayakawa intersects East and West as he sets up his paradox.

Seen another way, "Lost Right Hand" is a classic spaghetti western set against a Kurosawa blizzard of leaves. The viewer shuffles back and forth between wordless mute and mutilated visual images. The painting is a known experience, a still life of leaves that have no smell, touch, or sound. but the leaves are as real as a science project; yet we are denied knowing anything except art. Hayakawa constructs a fiction of the real and nonfiction of the artifact. His paintings define a new reality of paradox. He is aligned with Rauchenberg and Johns, recycling themes. Hayakawa makes two cultures into a flip book bound together in one constructed history.

The upper portion of  " Lost Right Hand" is fragmented layered wooden frame. This sample of a frame is separated from the body of painting; this separation opens even further the distance and perspective in the painting. Hayakawa opens space in entire painted cultures questioning the painting or cultural openness. The West shuts in the edge or boundary; The East open the edge. Hayakawa pushes the frame away exposing this paradox and polarity. Only the case of leaves is sealed as a fate. The painting's frame is only a part, a suggestion, a memory with missing parts. Hayakawa uses fragmentation as dichotomy in art.

The bottom 1/3 of the painting is a gaggle of chains suspending blank frames from the Euroasian painting above. In this painting, as in many Hayakawa works, he constructs units of organized visuals. Ejected from the main body of the painting, the chain dangles enslave the empty "cultures" helplessly. The chain acts as a line dropping the bait in the artists cultural bottom fishing. The artist is clearly outside the political and social content of the painting. He waits to fill up the empty frames. "Lost Right Hand" is a conglomeration of loss and recovery, detachment and regeneration. Hayakawa's paintings are dismantled just as Japan was dismantled. But waiting in the wings, the artist is the connector, innovator, and inventor.

In contrast to other contemporary narrative/conceptual artists who operate within an absurdist photo language system, Hayakawa's paintings are word free. Yet his word is about translations. Visual translations. Painting sometimes obscures and interrupts a date line chart or redirects the messages of maps and other manufactured visual aids. Hayakawa uses graphs, maps, charts, and ephemeral information of science and industry in his paintings. His act creates a static forcing a gap between art feeling and information knowing in an opportune and changing time.  We are slaves of knowing and to this problem Hayakawa  shuttles us from visual to visual. His walls or paintings are bulletin boards, his shelves safe keep objects, his drapes conceal a still life; Hayakawa constructs an arsenal of cultural slam dunks.

he is a populist artist, an encyclopedia of ologies beginning with anthro and ending with zoo feeding on its own nutrients. His painted and constructed "shelves" may be in fact selves.

The fascination with the origin of art continues through Hayakawa. we are intrigued with Picasso in France, Matisse in Morocco, Gauguin in Tahiti. The Tokyo, Berne, and Paris in Sam francis' painting is always mentioned. Looking at Hikaru Hayakawa we wonder what is Los Angeles or Hollywood in his painting. It is the grandness of de Mille mixed with the pragmatism of Little Tokyo.

Some paintings like "A Day for You" are funny and tragic. A visual equivalent of M butterfly and all the Mikados. The materials of the painting are oil, paper, plywood, electric fan, frame, mirror, and graphite. The painting is driven by electricity. Old Japan is gone. bring in the fans.

in the past year, Hayakawa's art master plan grew conspicuously larger. Crossbreeding painting and sculpture, he addressed them of ”NO BOUNDARY” with exacting craftsmanship and consummate skills. His tradition of quality is clearly evident. After each painting, Hikaru Hayakawa slips outside his own paintinged and sculpted questions and problems. His issues are left to us. He gives us the art of global treasure hunting in a colony of paradox.

パラドックスの時代における早川光の芸術

早川光はもう 1 人のアーティストです。彼は最近ロサンゼルスで見られている展覧会「プライマル　スプリット」の日本人アーティストのグループに属していません。むしろ、早川は窓の外に日本以外の異国を見るために目を向けた新世界のアーティストに属しています。彼は 1987 年に大阪を離れ、ロサンゼルスに渡米しました。そしてオーティスの大学院に通いました。早川は今や、フランスとアメリカに魅了された一昔前の国吉や藤田のような、現代にも拡がる海外の日本人アーティスト達に属しています。その意味で、早川が選んだホスト シティはロサンゼルスです。

早川は、サンセット ストリップの上のハリウッドの丘にあるあり得ないスタジオで暮らし、仕事をしています。彼のスタジオは、メインの 2 階建ての家の向こう、ローマの漆喰像で飾られたプールの向こうにあります。庭、中庭、そしてベニスやダウンタウンのアーティストのロフトとは対照的に、家庭的な快適さが備わった空間があります。この珍しいスタジオと環境の中で、パラドックスが始まります。

ハリウッドの活気に満ちたこの場所では、矛盾が山積みで、有力なエージェント、高級レストラン、取引業者、高級車、畜産業、娯楽・映画産業が入り混じっています。早川は意識を集中し、激しいエネルギーを芸術作品作りに注ぎ込みます。準備が整うと、早川は西洋の個性と「事実」を結びつける東洋の理想と価値観の文化的比較という概念と物語をブロックし、比較と構築による視覚的歴史を作り上げます。

早川の絵画「失われた右手」は、アウグストゥス・シーザーが明らかに無力に現実から切り離されている様子を描いています。重要なシーザー、男性、彫像、そして右手が切断された両方の絵。シーザーの王家の葉も失われている。シーザーは、消えた文化的遺物として特定され、記憶されているただの人物にすぎません。

シーザーは、時間と脆弱性の永遠の俳句である水平の葉のケースに対して垂直に配置されています。

封印されたすべての葉は茶色と灰色で、それ以上の漂流や腐敗から保護されています。アーティストは、静かな瞑想のための完璧な研究室である葉のケースを構築します。葉は、非難の余地のないシーザーを見ることによる緊張と不安を和らげます。早川は、パラドックスを設定する際に、東洋と西洋を交差させます。

別の見方をすれば、「Lost Right Hand」は、黒澤の葉吹雪を背景にした古典的なマカロニウエスタン映画のようです。鑑賞者は、言葉のない無言の視覚イメージと切り取られた視覚イメージの間を行ったり来たりします。絵画は既知の体験であり、静物画の葉は匂いも触覚も音もありません。私たちはアート以外の何も知ろうとはしませんが、本当の葉は科学プロジェクトと同じくらいリアルです。早川は、現実のフィクションと人工物のノンフィクションを構築します。彼の絵画は、パラドックスの新しい現実を定義します。彼は、アーティストのラウシェンバーグとジョーンズに同期し、テーマをリサイクルしています。早川は、2 つの文化を 1 つの構築された歴史にまとめたパラパラ漫画にしています。

「失われた右手」の上部は、断片化された層状の木製フレームです。このフレームのサンプルは、絵画本体から切り離されています。この分離により、絵画の距離と視点がさらに広がります。早川は、絵画や文化の開放性に疑問を投げかけながら、描かれた文化全体に空間を開きます。西洋は端や境界を閉ざし、東洋は端を開きます。早川は、このパラドックスと極性を露呈させながら、枠を押しのけます。葉の入ったケースだけが、結末として封印されています。絵画のフレームは、欠落した部分のある記憶、暗示、断片に過ぎない。早川は、断片化を芸術における二分法として用いています。

絵画の下部 1/3 は、上のユーラシア絵画の空白のフレームを吊り下げる鎖の群れである。この絵画では、早川の多くの作品と同様に、整理されたビジュアルなユニットが構築されている。絵画の本体から放出された鎖は、空虚な「文化」を無力に奴隷化している。鎖は、アーティストの文化的な釣りで餌を落とすラインとして機能している。アーティストは明らかに絵画の政治的および社会的内容の外にいる。彼は空のフレームを埋めるのを待っている。「失われた右手」は、喪失と回復、分離と再生の集合体である。早川の絵画は、日本が解体されたのと同じように解体される。しかし、控え室で待機しているそのアーティストこそ、コネクター、革新者、発明者である。

不条理な写真言語システムの中で活動する他の現代の物語的/概念的なアーティストとは対照的に、早川の絵画には言葉がありません。しかし、彼の言葉は翻訳に関するものです。視覚的な翻訳です。絵画は、日付変更線図を不明瞭にしたり中断したり、地図やその他の人工的な視覚補助のメッセージを方向転換したりすることがあります。早川は、グラフ、地図、チャート、科学と産業の一時的な情報を絵画に使用しています。彼の行為は、芸術の感覚と情報知識の間にギャップを生じさせ、好機と変化の時を捉えています。私たちは知識の奴隷であり、この問題に対して早川は私たちを視覚から視覚へと切り替えます。彼の壁や絵画は掲示板であり、彼の棚は物を保管し、彼のカーテンは静物を隠します。早川は文化的なスラムダンクの武器庫を創り出してます。

彼は大衆芸術家であり、人類学から始まり、自らの栄養分を摂取する動物園で終わる学問の百科事典である。彼が描いたり構築したりした「棚」は、実際には自分自身かもしれません。

芸術の起源への興味は早川を通して続きます。私たちはフランスのピカソ、モロッコのマティス、タヒチのゴーギャンに興味をそそられます。サム・フランシスの絵画は東京、ベルン、パリでよく言及されています。早川光を見ると、彼の絵画におけるロサンゼルスやハリウッドは一体何なのか疑問に思います。それは、映画におけるデ・ミル監督の壮大さとリトル・トーキョーの実用主義が混ざり合ったものです。

「A Day for You」のようないくつかの絵画は、滑稽で悲劇的です。マダムバタフライとすべてのミカドの視覚的等価物です。絵画の材料は、油、紙、合板、扇風機、フレーム、鏡、グラファイトです。絵画は電気で動いています。古い日本はなくなりました。ファンを持ってきてください。

過去1年間、早川の芸術マスタープランは著しく大きくなりました。絵画と彫刻を交配し、彼は厳格な職人技と完璧なスキルで「無境界」というテーマに取り組みました。彼の本質へのこだわりは明白に確かです。それぞれの絵を描いたのち、早川光は、自らが描いたり彫刻したりした疑問や問題の外に去ります。そして彼の論点は私たちに委ねられます。彼は、矛盾のコロニーの中で地球規模の宝探しのアートを私たちに与えてくれます。